Jasper Johns, un artista frente al espejo: dos formas de percibir la realidad
El concepto del doble inspira la retrospectiva dedicada a uno de los artistas estadounidenses vivos más influyentes, alojada en el Museo de Arte de Filadelfia y en el Museo Whitney
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LA NACIONCelina Chatruc
En el otoño de 1954, Jasper Johns destruyó toda su obra. Un año antes, a los 23, se había mudado de Carolina del Sur a Nueva York, donde comenzó a frecuentar a grandes talentos como Robert Rauschenberg –con quien formaría una de las parejas más creativas de la historia-, John Cage y Merce Cunningham. “Decidí hacer sólo lo que quería, y no lo que otra gente hacía”, señalaría sobre aquel hito, decisivo en un camino que lo llevaría a convertirse hoy en uno de los artistas estadounidenses vivos más influyentes.
Ese mismo año, mientras aún predominaba en Estados Unidos el expresionismo abstracto, Johns soñó que pintaba la bandera americana. Y al despertar, se dispuso a hacerlo. Seguirían otras “cosas que la gente ya conoce”, como mapas, blancos, letras y números que marcarían el rumbo hacia el arte pop. “Este acto radical intuitivo inauguró una forma de trabajo que continuó durante toda su carrera: la transposición directa de imágenes comunes y signos sobre la superficie de sus obras”, señala ahora el Museo Whitney, que aloja parte de una ambiciosa retrospectiva organizada con el Museo de Arte de Filadelfia.
Impulsada para celebrar los 90 años de Johns y postergada por la pandemia, la muestra titulada Mente/Espejo se inspiró en su trabajo sobre el concepto del doble para presentar pinturas, esculturas, dibujos y grabados en forma simultánea en ambos museos. De esta manera, las dos mitades “actúan como reflejos entre sí”, e invitan a “tomar conciencia del acto de percepción, una clave de su arte”.
Esto incluye dos versiones de Bronce pintado, obra de 1960 compuesta por un par de reproducciones de latas de cerveza que a primera vista parecen reales e idénticas; una está cerrada y la otra, abierta. Realizada dos años antes que las latas de sopa Campbell´s de Andy Warhol, la escultura habría sido una ingeniosa respuesta a un comentario de Willem de Kooning, referido al galerista Leo Castelli: “Podrías darle dos latas de cerveza y él las vendería”. Y así lo hizo.
Claro que de la duplicación puede surgir también el conflicto. Según asegura Deborah Solomon en The New York Times, hubo diferencias de criterio entre dos de los curadores de la muestra: Scott Rothkopf, del Whitney, y el rosarino Carlos Basualdo, del museo de Filadelfia. Este último, según la crítica de arte, fue quien tuvo la idea de dividir la exposición “en dos mitades reflectantes”. Otra forma de concebir –en forma complementaria, y no opuesta- lo que al sur del continente definimos como “grieta”.
Por Celina Chatruc
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