Arte en diez clics: visita guiada por Pinta Miami Live

Un antes y un después en la carrera de varios artistas de América Latina. Eso significó la muestra de Victor Vasarely, considerado "el abuelo del op art", exhibida en 1958 en el Museo Nacional de Bellas Artes. "Fue como un respiro", dijo Julio Le Parc el año pasado a LA NACION, mientras era homenajeado en esas mismas salas, al recordar el momento en que se detuvo ante las pinturas abstractas de gran formato, en blanco y negro, que impulsaron su búsqueda de transformar de manera radical el vínculo del espectador con las obras de arte.

Hasta aquella muestra que marcó un hito se remontó también Florencia Battiti, responsable del envío argentino a la última edición de la Bienal de Venecia, durante una visita guiada para invitados especiales por Pinta Miami Live. Abierta desde hoy al público hasta el 15 de este mes en el sitio pinta.art, la versión virtual de la feria especializada en arte latinoamericano reemplaza este año su edición presencial, suspendida por la pandemia.

La curadora en jefe del Parque de la Memoria, que tuvo a su cargo la selección de obras de arteBA Focus y espacios dedicados a la Argentina en Art Basel y Pinta Miami, sugirió por Zoom un posible recorrido del cual se reproducen aquí algunos fragmentos. Y aclaró que es uno entre múltiples posibles, ya que la plataforma está organizada en varias secciones y permite un amplio criterio al ofrecer filtros por galerías, países, artistas, precios de las obras y medios con los que fueron producidas.

Su selección entre setenta galerías de América Latina, Estados Unidos y Europa, que exhiben unas 1600 obras de más de 400 artistas, abarcó desde la abstracción geométrica latinoamericana hasta artistas de mediana carrera como Adriana Bustos, que acaba de ganar el premio Azcuy impulsado por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, y otros más jóvenes representados por la galería rosarina Crudo Arte Contemporáneo, que participó también de la semana del arte Panorama.

Como pieza para evaluar la escala real de las piezas se usó una reproducción de la silla Eutopia, creada por el salteño Francisco Gómez Paz en su ciudad natal, que ganó en septiembre en Milán el premio equivalente al Oscar para el diseño industrial. "Creo mucho en el vínculo del diseño y el arte: es una etapa nueva en la que quiero incursionar, porque los grandes coleccionistas también incorporan diseño. Sobre todo después de vivir lo que estamos viviendo, cada uno en su casa", adelantó Diego Costa Peuser, director de Pinta, que a partir del año próximo impulsará también ediciones de la feria en Basilea y Chicago.

Victor Vasarely, Tzaloka, 1982. Galería Latin Art Core

"Ha sido un artista faro, importantísimo para la tradición de la abstracción geométrica latinoamericana -dice Battiti-. Húngaro, formado en Budapest, se radicó en París desde la década del 30. Trabajó en lo que hoy podríamos llamar diseño gráfico. Enfoca su atención no tanto en la intuición o en la inspiración sino en el rigor científico, en las leyes de la geometría, en las cualidades perceptivas del color. Y fundamentalmente en la influencia que tienen los efectos ópticos en la percepción visual. Es considerado el abuelo del op art, del arte óptico, que durante la década del 60 fue tan importante y se expandió más allá de las artes visuales al mundo de la moda y de los textiles".

Julio Le Parc, Ondes 122 serie 12 numero 1, 1973 (detalle). Galería Latin Art Core

"La galería Denise René organizó una muestra de Vasarely por Latinoamérica, y fue ahí donde los artistas latinoamericanos se enamoraron de su obra. Le Parc fue uno de ellos. Él vio en el Museo Nacional de Bellas Artes esta exposición, en 1958. Ya venía explorando la tradición del arte abstracto, pero es a partir de ahí que decide trabajar profundamente en esta vertiente de la geometría: el arte óptico y, más tarde, el cinético. Una constante en estas obras es el tema de los patrones geométricos y la repetición. Los efectos perceptuales que buscaban estos artistas se logran a partir de la repetición de patrones y el uso del color".

Luis Tomasello, Atmosphere Chromoplastique 214, 1969 (detalle). Galería Latin Art Core

"Otro artista argentino, de La Plata, incorpora una diferencia singular: trabaja estas superficies abstractas, pero con relieves. Relieves de madera que están adosados a una superficie plana, y además están intervenidos con color en sus bordes. Lo que generan estas "atmósferas cromoplásticas" es un juego de luz. Lo que es también fundamental en todo el arte óptico, y en el arte cinético, es el movimiento del espectador: los artistas trabajaban suponiendo que el espectador iba a moverse, y por lo tanto esas superficies iban a captar diferencias o variaciones. Tomasello se radicó en París y desarrolló su carrera allá. Incluso fue bastante amigo de Julio Cortázar, que lo llamaba ‘el alquimista’".

Rogelio Polesello. Círculos, 1971 (detalle). Galería Latin Art Core

"Al igual que Le Parc y Tomasello, siendo muy joven, también vio la muestra de Victor Vasarely en el Museo Nacional de Bellas Artes, y también se enamoró de sus propuestas ópticas. Como Vasarely y Le Parc, antes de dedicarse al arte a tiempo completo, también trabajó como diseñador en agencias publicitarias. Este es un dato interesante por el tipo de síntesis que trabajan estos artistas. Tenían un ojo puesto en la industria cultural, en el mundo de la publicidad y el diseño, y otro en el de las bellas artes".

Suwon Lee, Body of light VI, 2020. Galería Proyecto Visible

"Esta fotógrafa venezolana de ascendencia coreana, que hace una reinterpretación crítica del paisaje latinoamericano, también presenta trabajos más recientes, hechos en plena cuarentena. Body of light es un cambio de rumbo en su obra. Trabaja con las ideas y las sensaciones de peligro, de la muerte, que todos enfrentamos en los últimos meses ya sea de manera directa o metafórica. El encierro nos ha puesto más en contacto con nuestros propios miedos, con nuestras emociones más oscuras. Por eso, estos retratos están tomados en cierta oscuridad. Tienen un tinte fantasmagórico. Es la propia artista tomando contacto con esta situación de encierro que quizás nos puso más que nunca en contacto con nuestro propio lado oscuro".

Pablo Valenzuela Vaillant, Rapa Nui XII, 2019. Galería Artium Luz Barros

"Ingeniero civil de formación, practicaba montañismo desde muy joven y se dio cuenta de que la fotografía era la mejor manera de transmitir lo que él necesitaba en relación al paisaje. Esta serie tomada en la Isla de Pascua se titula Rapa Nui. Nos muestra que el paisaje y su representación siempre están codificados por la historia del arte. Se concentra en estas figuras totémicas, Moái (‘rostro vivo de nuestros ancestros’), pero tratando de alejarse de un registro meramente documental. Siempre hay una mirada que está buscando algún tipo de recorte a nivel de la geometría, las formas, la luz".

Adriana Bustos, Imago Mundi XIV, Positivismo Mágico, 2015 (detalle). Galería Nora Fisch

"Esta obra, de una serie que comienza en 2012, se titula Positivismo mágico. Trabaja a partir de la representación de mapas. Bustos trata de cuestionar los relatos oficiales y el modo en que la cartografía oficial, histórica, representa el mundo. Y todo lo que se deja afuera. Desde el título mismo hay una suerte de oxímoron, de paradoja: el positivismo representa la ideología cientificista, y lo mágico todo lo contrario. Eso es lo que pone en tensión: estos dos modos de abordar y de pensar el mundo, el de la ciencia y el de la magia, que durante siglos convivieron en Europa. Ella misma, cuando presenta algunas de estas obras, cita una frase de Moby Dick, de Melville, que dice: ‘No está en ningún mapa. Los verdaderos lugares nunca lo están’".

Hernán Camoletto, Copiador – Ensamble, 2020 (detalle). Galería Crudo Arte Contemporáneo

"La obra se llama Copiador, el título nos da una clave. Está trabajando una reflexión sobre los originales y las copias. Es una obra que podríamos relacionar con ciertas cualidades borgianas. Estas piezas están trabajadas sobre un papel vegetal que utilizaba en los libros de copias, bastante traslúcido. Hernán hace un juego entre la imagen y el texto: pone a jugar el texto como imagen, y la imagen, quizás, también como texto. Los textos son algunos subrayados de la propia biblioteca del artista y las imágenes de floreros fueron tomadas de libros de la historia del arte o de Internet".

Matías Paradela/Niño Grande, Bruce Lee, 2020 (detalle). Galería Salar

"Artista argentino radicado en Bolivia, su nombre artístico es Niño grande. En estos óleos toma la garrafa o los tanques de gas, como son más conocidos en Bolivia, y los convierte en vasijas chinas. Esta relación con el arte oriental, está también en títulos: Karate Kid o Bruce Lee. Él dice que cuando llega el camión con los tanques de gas al pueblo donde vive todos salen a buscarlos, es como una ceremonia. Son elementos cotidianos que se utilizan para calentar los hogares, para hacer la comida. Y que él toma para generar diálogo con las ‘artes mayores’. En este caso, el arte oriental".

José Luis Martinat, País con futuro, 2016. Galería Younique

"Es un artista peruano que reside en Gotemburgo, Suecia, que trabaja a partir de la apropiación de materiales preexistentes -concluye Battiti-. En este caso son bolsas que rescata de mercados o de ferias. Se utilizan para transportar productos agrícolas, por lo general alimentos que provienen de la tierra. Interviene estos sacos con bordados como en este caso, donde se puede leer ‘país con futuro’. Están hechos con una excelente factura, sobre esa otra tela que tiene toda la carga existencial de esas bolsas que fueron utilizadas para transportar comida de un mercado a otro. Se los encarga a la familia Grados, un grupo de artesanos en Perú muy conocido porque desde hace más de setenta años se encarga de bordar banderas y las bandas presidenciales de los mandatarios. Y exhibe los trabajos como si fuesen una suerte de Santo Sudario".

Conforme a los criterios de

Conocé más

Récord. El Centro Cultural Recoleta convocó más público que en 2023

Con “formas espejo”. Gabriel Chaile lleva la selva tucumana hasta José Ignacio, en Uruguay

¿Pérdida del factor humano? El dilema sobre la irrupción de la inteligencia artificial en el arte